Bongiani Museum Project 2018, Museo Marino Marini di Firenze

Bongiani Museum

 Virtual and interactive Art

Idealmente dedicato al Museo Marini di Firenze

Logo del Progetto

Il Museo Virtuale 

con l'arte in punta di mouse

Un nuovo modo di intendere  e percepire il Museo

 Premessa: 

un Museo evoluto e innovativo di arte deve mettere necessariamente insieme i campi della tecnologia e dell’arte, tra innovazione tecnologica e il potenziale artistico. Non soltanto l’utilizzo dello spazio fisico  ma la diffusione della realtà virtuale  che di fatto ha creato una rivoluzione visiva modificando radicalmente sia la nostra percezione delle immagini, sia la nostra relazione con la realtà. Gli spazi  virtuali possono suggerire mondi immersive  sperimentabili direttamente. I visitatori si immergono nella percezione del dato virtuale e in tal modo vengono coinvolti fisicamente tramite elementi interattivi che modellano già  il nostro presente e  sicuramente il nostro prossimo futuro. In un progetto  di un museo immaginario virtualità e realtà sono quindi strettamente collegati tra loro, con l’esigenza di mettere in collegamento  spazi fisici con gli spazi immaginari.

La descrizione: 

Per tale motivo, partendo idealmente come prototipo base dalla mappa del piano terra del Museo Marino Marini di Firenze  è stato ideato  un percorso espositivo  immaginario di opere con 12 mostre già svolte da noi  in 12 spazi che possono essere ulteriormente divisi anche in  tre rispettive sale ciascuno, al fine di rendere la complessa relazione tra spazi virtuali e fisici del museo materialmente percettibile per il pubblico. In una società che fa affidamento sull'innovazione tecnologica i musei e l’ esposizioni come questa sono necessari per  far conoscere  in modo interattivo a 360° l’arte in tutto il pianeta terra. Il Progetto Bongiani Museum da noi  ideato con  una piattaforma online, si rivolge proprio  alle fondazioni  e ai musei oltre che agli utenti dell’arte, ben sapendo di dover investire  sulle nuove tecnologie.  Il gioco e la visita  interattiva è destinata a un pubblico italiano e internazionale di tutte le età con lo scopo essenziale di incuriosire  e invogliare a visitare concretamente  il museo.

L’interfaccia Virtuale:

Con l’attuale  interfaccia  interattiva preposta tra startup e cultura, il museo del futuro risulta uno spazio virtuale veloce capace di rispondere alle esigenze concrete degli utenti del web e far conoscere l’arte in modo semplice,  diretto e “democratico” ad un pubblico sempre più vasto e interessato. Uno spazio sempre aperto; non ha una superficie fisica ma  solo virtuale, ed è visibile 24 ore su 24 in tutto il mondo.  Questa nuova straordinaria realtà  sperimentale che usa  al meglio le tecnologie esistenti per innovare, crediamo, possa essere concretamente di aiuto alla diffusione e alla conoscenza degli eventi  e delle proposte culturali attivate in qualsiasi  museo reale. Del resto, un progetto come questo risulta  innovativo non solo perché fa cose nuove ma anche e soprattutto perché fa cose in modo nuovo applicando nuovi paradigmi e una nuova filosofia culturale.   

Ingresso Virtuale

Home Page



Le sale del Museo Virtuale

L’idea di un Flipper-museo

Come ipotesi di base abbiamo immaginato di utilizzare l’idea del gioco di un flipper, con una pallina metallica dal significato ludico e nello stesso tempo altamente tecnologico che diventa il simbolo ideale di un percorso espositivo  museale.  Utilizzando come ipotesi progettuale la mappa reale del piano terra del Museo Marino Marini di Firenze abbiamo immaginato una piattaforma  prototipo simile ad un flipper con 12 sale espositive. (in ambito virtuale le sale potrebbero essere molte di più). 

Cliccando con il mouse nell'apposito numero di sala si ha la visione delle opere in modo immediato e interattivo. La visione di un museo virtuale come questo permette di relazionare con un grande numero di utenti in varie parti del globo, che  seduti anche a casa su un divano possono permettersi di visionare e conoscere le opere in vista di un probabile  viaggio alla scoperta del reale  museo prescelto. Di certo, un contributo concreto e fattivo alla diffusione capillare dell'arte di un museo.

Pianta  del Museo Virtuale Bongiani

La pagina base del Bongiani Museum 

La Visita:

Crucifixion – Shozo Shimamoto

   Marcel  Duchamp Project 

   Kurt  Schwitters Project

   Guglielmo Achille Cavellini

   Ryosuke Cohen

   Alessandra Angelini

   Marcello Diotallevi

   (mostra visibile dal 18 aprile 2018   alle ore 18.00 in poi)

   John M. Bennett

   Ben Vautier

   Joseph Beuys

   Shozo Shimamoto Project

Shozo Shimamoto Project Two

   

INIZIO

oppure:

Cliccando sul numero della sala  parte la pallina  con annesso il tipico suono d'inizio che percorre il percorso più breve per arrivare a destinazione.  

Sound avvio:

https://www.zedge.net/ringtone/c52f2a82-75d9-3e5a-8921-1dc11e855429

colpisce il numero della sala,  
si sente un nuovo suono che segnala   l'obiettivo raggiunto.
https://www.zedge.net/ringtone/f2b60408-5b92-3393-85f5-dc95a05684d5

la pallina di metallo 

diventa rossa con il logo del museo rappresentato.

Sound  di accesso alle opere: 

"You have the magic"
https://www.zedge.net/ringtone/b1b45dc1-cdb4-3bcc-95f8-abc6f0547d3b  

Da questo  momento si apre la schermata della sala  con la relativa visione delle opere  inserite. ( in ogni parete vi possono essere max 6 opere per un totale di 24 opere per sala. Nulla vieta di inserire un numero inferiore di opere). 

I VARI  STEP  
DESCRITTIVI DEL PROGETTO:

SI ENTRA NELLA SALA INTERATTIVA SCELTA:

 inizia la visita virtuale alle opere presentate

in una sala interattiva del Bongiani Museum

Ingrandimento di un'opera presente nella sala

le opere nelle sale 
interattive del museo virtuale

 VERIFICA  L'INTERATTIVITÀ' 
DI UNA  DELLE MOSTRE VIRTUALI 
PRESENTI  IN QUESTO PROGETTO 

Visit.
Crucifixion – Shozo Shimamoto 

© Collezione 

Bongiani Art Museum

Startup  no-profit 

della Collezione Bongiani di Salerno 
http://www.collezionebongianiartmuseum.it/

CRUCIFIXION GENTILE

Venerdì Santo 

giorno della passione e della crocifissione

Crocifissione

Pietro Cavallini &amp Shozo Shimamoto 

Pietro Cavallini, San Domenico Maggiore - Napoli 

La cappella degli affreschi (o Brancaccio) è una cappella della chiesa di San Domenico Maggiore di Napoli affrescata da Pietro Cavallini nel 1308 circa. È di fatto l'unica cappella della chiesa che conserva un ciclo di affreschi risalente all'epoca angioina, quindi al periodo di edificazione del complesso religioso. L’opera di Pietro Cavallini  con la scena della Crocifissione di Cristo si trova lungo la parete di sinistra. Pietro Cavallini, il quale all'epoca del suo arrivo a Napoli fu ospite illustre di Carlo II d'Angiò, dando vita ad un rapporto lavorativo che legherà il pittore alla famiglia angioina fino al 1317.

Shozo Shimamoto, Crocifissione,  
courtesy of photo Kristia & JJhan, 1993

LA PORTA DI MILANO - 6 grandi sculture di Carlo Ramous all'Aeroporto di Milano Malpensa

CARLO RAMOUS 

SHAPING THE SPACE 

Aeroporto di Milano Malpensa 

fino al 30 giugno 2018

Milano 13 Marzo – La Porta di Milano accoglie 6 grandi sculture, modelli in scala per interventi monumentali destinati all’arredo urbano, e un bronzo storico, la Grande donna seduta, del 1955, di uno dei maggiori scultori italiani del Novecento.

SEA presenta a La Porta di Milano all'aeroporto di  Malpensa, fino al 30 giugno, Shaping the space una mostra che celebra Carlo Ramous (Milano, 1926-2003), uno dei maggiori scultori italiani del Novecento.

 Con questa iniziativa, SEA ribadisce il proprio rapporto privilegiato con l’arte, iniziato sette anni fa con la costruzione de La Soglia Magica, un’opera che è diventata la Porta di Milano, il luogo d’eccellenza dove ospitare eventi espositivi che salutano i passeggeri in arrivo e in partenza dal Terminal 1. Di qui sono passati grandi maestri quali Fausto Melotti, Marino Marini, Gio Ponti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, e autori appartenenti al panorama artistico contemporaneo, quali Helidon Xhixha, Carlo Bernardini, Alessandro Busci e altri.

Con Carlo Ramous, scultore milanese che a Milano ha lasciato importanti testimonianze, si sottolinea il legame dell’aeroporto con la città e le sue atmosfere.

Opere monumentali di Carlo Ramous  presenti a Milano

Dopo l’importante retrospettiva allestita alla Triennale di Milano nell’estate 2017, Ramous torna protagonista di una esposizione che raccoglie sei grandi sculture, modelli in scala per interventi monumentali destinati all’arredo urbano, accanto a un bronzo storico, la Grande donna seduta, del 1955, testimonianza della sua iniziale ricerca figurativa. Carlo Ramous, autore di opere entrate nell’immaginario collettivo per la loro presenza nell’orizzonte della città, ha indagato per anni, nel corso della sua produzione matura, i rapporti ideali fra la scultura e l’ambiente circostante. Ha studiato forme aperte, in grado di assorbire i ritmi del vissuto metropolitano. Ha disegnato linee dinamiche, giochi calcolati di vuoti e di pieni, elementi metallici capaci di dialogare con l’architettura e con i luoghi che li ospitavano.

Fra i suoi lavori più conosciuti spiccano Gesto per la libertà (1972) in piazza Conciliazione a Milano e Timpano(1972), collocata nel parco della Triennale del capoluogo lombardo.

Altri progetti hanno raggiunto spazi pubblici e musei di tutto il mondo. Da Roma a New York, da Venezia a Chiba City in Giappone. Invitato alla Biennale di Venezia (1958, 1962 e 1972), nel 1974 ha allestito opere monumentali in Piazzetta Reale, accanto al Duomo. Di alcune di queste la mostra presenta i bozzetti, come Frantumazione del 1979 o Lo Schermo distratto del 1981, oltre alle fotografie d’epoca scattate alle sue opere da maestri dell’obiettivo come Enrico Cattaneo nelle diverse occasioni istituzionali.

Nel corso della mostra sarà presentata una mappa milanese con i luoghi che ospitano le sculture del maestro e, successivamente, un catalogo Idesia editoria dedicato all’evento.

L’esposizione è parte del programma di Novecento Italiano, il palinsesto lungo un anno, promosso per raccontare, ricordare e riflettere sulla grande avventura culturale del secolo scorso.

Biografia:

Carlo Ramous nasce a Milano nel 1926; frequenta il Liceo Artistico presso l’Accademia di Belle Arti di Bologna, per continuare gli studi presso l’Accademia di Brera con Marino Marini e Giacomo Manzù, dove espone per la prima volta un’opera nel 1946. La serie delle mostre personali di rilievo comincia più tardi, con mostre importanti presso la Galleria del Milione di Milano (1956), la Galleria del Cavallino di Venezia (1962) la Galleira Jolas (1971). Risale al 1962 la sua prima partecipazione con un gruppo di opere alla Biennale di Venezia, dove viene presentato da Gillo Dorfles. Vi tornerà dieci anni più tardi (1972) con una sala all’interno della rassegna Aspetti della scultura contemporanea, con uno stile completamente mutato. Mentre la critica più attenta, sia in Italia sia all’estero, scrive del suo lavoro (Giuseppe Marchiori, Giovanni Carandente, Guido Ballo, Enrico Crispolti, Herta Wescher, Marco Valsecchi), Ramous avvia una collaborazione con l’architetto Mario Tedeschi, che porta alla realizzazione delle facciate a rilievo per le chiese di Santa Marcellina a Milano e San Giovanni Bosco a Baggio, inizio di una lunga collaborazione con architetti e progettisti ben rappresentata dal monumentale intervento sullo stabilimento tipografico di Cino Del Duca progettato da Tullio Patscheider a Blois. La sua scultura assume presto una importante dimensione urbana, ben rappresentata dalle grandi mostre di sculture all’aperto nel centro storico di Parma nel 1973 e in Piazzetta Reale a Milano nel 1974. Una delle opere esposte allora, Gesto per la libertà, troverà collocazione nel 1981 in piazza Conciliazione a Milano, prima di una serie di grandi sculture collocate dall’artista in Italia e all’estero, fino alla realizzazione di Ad astra nel Chou Park a Chiba City, in Giappone (1992). Carlo Ramous muore a Milano nel 2003.          (Segnalato da Archivio Ophen Virtual Art di Salerno).

Passaggi di stato, Lorenza Boisi, Regina José Galindo e Valentina Palazzari - Reggia di Caserta

Tre artiste per “forzare il limite di un confronto”

Lorenza Boisi,Veduta mostra, BOISI-GALINDO-PALAZZARI, Passaggi di stato, Reggia di Caserta, 2018.  Foto The Knack Studio

Una mostra interessante a più voci presso le sei sale delle Retrostanze settecentesche (Ex Terrae Motus) e il Vestibolo superiore della Reggia di Caserta.

Passaggi di stato: una mostra dedicata a tre artiste sotto il segno del femminile, Lorenza Boisi, Regina José Galindo e Valentina Palazzari, a cura di Bruno Corà e Davide Sarchioni (visibile fino al 20 marzo 2018).

Giovani artiste della stessa generazione e di diversa provenienza culturale e visione poetica accumunate dall’interesse a relazionare in un inedito confronto che pur nella diversità delle proposte, tentano di “forzare il limite di un confronto”. L’intento primario è per l’appunto sperimentare la coesistenza delle visioni, un possibile dialogo sia tra le loro opere sia con lo spazio fisico e magico della Reggia.

Tre artiste decisamente differenti per caratteristiche e tipologie metodiche e tecniche che ci prepongono uno spaccato, seppur limitato, delle diverse proposte in atto. Nelle sale della Reggia si percepiscono “i passaggi di stato” da una visione all'altra, con opere bidimensionali a parete che convivono con l’installazione e l’oggetto tridimensionale, sollecitando rimandi e associazione attraverso l’utilizzo dei diversi materiali, un passaggio decisamente fluido carico di tensione e di attraversamenti e un procedere avanti e indietro senza soluzione di continuità.

Passaggi di umore, da un linguaggio all'altro percepiti sotto il segno della diversità. In tale dinamica convivono e si relazionano i lavori della Palazzari votati all'innesto e alla precarietà duttile dei materiali legati ai processi di ossidazione nella dimensione più consunta e trascorrente del tempo, (un particolare omaggio è presentato nell'imponente Scalone d’Onore di Luigi Vanvitelli con un’installazione monumentale). 

La pittura estemporanea della Boisi permane condizionata dalla pratica di ceramista, votata alla figurazione e a motivi naturali che cerca di ambientarsi con la decorazione maestosa e ornamentale della Reggia.

Tutt'altro si avverte dalle ricerche performative sul tema del corpo umano, tra fotografia e video art svolte dall’artista guatemalteca Regina José Galindo, senza dubbio la più lucida e convincente, che ossessivamente rimarca l’importanza del corpo e dell’azione performativa come strumento urgente di comunicazione e denuncia sociale.

Regina José Galindo (Città del Guatemala, 1974), Aún no somos escombros, 2016, color video, stereo sound, 19’, Courtesy l’artista e Prometeogallery.

Insomma, tre piccole e importanti personali in cui i risultati sono condizionati dalla diversità di visione immaginativa e soprattutto per la complessa e concreta relazione che si può instaurare con le imponenti sale della  Reggia di Caserta

Valentina Palazzari, Veduta mostra, BOISI-GALINDO-PALAZZARI, Passaggi di stato, Reggia di Caserta, 2018, Foto © Manolis Baboussis

Boisi | Galindo | Palazzari. Passaggi di stato

Dal 23 febbraio al 20 marzo 2018

Appartamenti Storici, Retrostanze del ‘700 e Vestibolo superiore della Reggia di Caserta, via Douhet 2/A – 81100 Caserta

Orari: Tutti i giorni dalle 8.30 alle 19.30, martedì chiusura settimanale

caserta@operalaboratori.com

14 MARZO 2018 FINISSAGE PADIGLIONE TIBET SETUP CENTRO NATURA - BOLOGNA

PADIGLIONE TIBET 
a cura di Ruggero Maggi

FINISSAGE MERCOLEDI' 14 MARZO a partire dalle ore 20.00
ORE 21.15 performance NO CHAIN

10 marzo 1959, il Dalai Lama costretto a fuggire dal Tibet ...tragica data per il suo popolo ...sono passati 59 anni ma nulla è stato fatto per ridare speranza e libertà... 
un momento per ricordare.




PADIGLIONE TIBET a cura di Ruggero Maggi
PROROGATO fino al 14 MARZO 2018
1 FEBBRAIO - 14 MARZO 2018

FINISSAGE MERCOLEDI' 14 MARZO a partire dalle ore 20.00
ORE 21.15 performance NO CHAIN


Padiglione Tibet, a cura di Ruggero Maggi, presentato dall'1 al 28 febbraio 2018 presso CENTRO NATURA all'interno di SetUp+ il contenitore degli eventi culturali che si svolgono a Bologna durante SetUp Contemporary Art Fair, è stato prorogato fino al 14 marzo, giornata conclusiva in cui, oltre all'installazione-video e la mostra Lucente Spirito, verrà presentata la performance No Chain (ore 21.15)
SPIRITUALITA' ED ARTE COME CIBO PER LA MENTE E PER L'ANIMA
installazione-video (montaggio di Matteo Pieri) con estratti delle precedenti quattro edizioni (2011/2013/2015/2017) di Padiglione Tibet nato come evento parallelo alla Biennale d’Arte di Venezia. La Biennale veneziana offre da sempre l’opportunità ad ogni Paese di presentare le proprie realtà artistiche più rappresentative con i Padiglioni Nazionali.
L’appello per la dignità di un popolo si può estrinsecare anche attraverso un progetto artistico. Una forma di riscatto culturale voluto fortemente da molti paesi e che, per Padiglione Tibet“il padiglione per un paese che non c'è”ideato da Ruggero Maggi nel 2010, ha assunto anche una valenza sociale.

• Tibet: una nazione che evoca da sempre un sentimento religioso, mistico, di pace, una vitale “centralina” spirituale per tutti gli esseri umani.
  
• Padiglione Tibet, un’idea che nella propria semplicità racchiude una forte carica emozionale, è un sogno che ha lasciato il segno ponendosi l’obiettivo di far incontrare la sensibilità della cultura contemporanea occidentale con quella tibetana. Un unico tema declinato nei modi della pittura, della scultura, della performance, del video per realizzare un grande evento che sottolinei coralmente il profondo senso di spiritualità dell'universo tibetano.
  

Un ponte sensibile tra la cultura Occidentale e quella Tibetana densa di affascinanti e mistiche suggestioni spirituali, linguistiche ed artistiche; un passaggio da Est ad Ovest, che crei quella sfumata ma necessaria vibrazione poetica per interagire e comprendersi. Padiglione Tibet: ponte fra culture.






LUCENTE SPIRITO
mostra costituita da una selezione di opere dal profondo contenuto spirituale e concettuale come "The Quest" vero e proprio work in progress di due artisti: Carla Bertola e Alberto Vitacchio protagonisti congelati nell'atto fotografico insieme con le pietre megalitiche, divenendo anch'essi elementi immobili e silenziosi del paesaggio; le opere verbo-visive titolate "Fiabe al vento"di Marcello Diotallevi che traggono ispirazione direttamente dal vento della poesia e dalla naturale inclinazione dell'artista verso un'ironica interpretazione della realtà e della vita; le evocative immagini fotografiche di Anna Maria Di Ciommo che ricreano i momenti in cui i Lama Tibetani realizzano splendidi mandala, sintetizzate in una frase di S.S. il Dalai Lama: "Ero intelligente e volevo cambiare il mondo. Ora sono saggio e sto cambiando me stesso"; le opere-oggettodi Roberto Testori che nel loro biancore riflettono soluzioni concettuali ricche di significati spirituali e poetici. Poesia visiva che si alterna ad una sedimentata descrizione di tracce, di piccoli oggetti che ritrovano il loro spazio in una decontestualizzazione intelligente e raffinata.

 http://www.paolasamoggia.com/social-seeds/seed-n2-no-chain

MERCOLEDI' 14 MARZO ore 21.15
NO CHAIN performance di danza contemporanea di K7

coreografia di Kappa
musica di Paola Samoggia
danza Giuseppe Spinelli, Laura Onofri

“...ho pensato a Padiglione Tibet, al ponte tra due culture…. al collegamento… alla denuncia della situazione attuale che però volge verso una libertà raggiunta con l’aiuto delle due culture assieme, l’aiuto di tutti…. In attesa la campana a lastra è libera di muoversi nel vento…. come una bandiera di preghiera….” (Paola Samoggia)


Durante il finissage è possibile cenare presso il Ristorante BioVegetariano di Centro Natura dalle ore 19.15 alle 22.00.



PADIGLIONE TIBET a cura di Ruggero Maggi
centro natura
via degli albari 4^a bologna
1 febbraio – 14 marzo 2018

finissage mercoledì 14 marzo 2018 a partire dalle ore 20.00
ore 21.15 performance No Chain
orari di apertura: lunedì sabato 10 - 22.30 | domenica 10 – 18.30
info:051.235643 | www.centronatura.it | maggiruggero@gmail.com| 320.9621497